August-Macke-Preis

Toulu Hassani erhält den August-Macke-Preis 2022

Toulu Hassani erhält den August-Macke-Preis des Hochsauerlandkreises 2022. Den Namen der Preisträgerin gab Herbert Sollich, Marketing-Direktor der Brauerei C. & A. Veltins, während eines Pressegespräches bekannt. Preisverleihung und Ausstellungseröffnung werden am 30.11.2023 im Sauerland-Museum Arnsberg stattfinden. Der Macke-Preis ist mit 20.000 Euro dotiert und wird grundsätzlich alle drei Jahre verliehen.

Toulu Hassani wurde 1984 in Ahwaz im Iran geboren und lebt und arbeitet in Hannover. Von 2005 bis 2011 studierte sie Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig bei Hartmut Neumann, Thomas Rentmeister und Walter Dahn. In den Jahren 2008 und 2009 ging Hassani zu Auslandssemestern an die Facultad de Bellas Artes in Valencia/Spanien. 2011 und 2012 war sie Meisterschülerin von Professor Walter Dahn. 2013 erhielt Hassani den Preis des Kunstvereins Hannover, Atelierstipendium Villa Minimo, und 2016 den Sprengel-Preis für Bil-dende Kunst der Niedersächsischen Sparkassenstiftung. Für den Kunstpreis der Böttcherstraße 2020 Bremen war sie nominiert und hat in diesem Kontext in der Kunsthalle Bremen ihre Werke ausgestellt. Die Künstlerin absolvierte bereits viele Stipendien, so beispielsweise das New York-Stipendium der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und des Landes Niedersachsen in der Künstlerresidenz am International Studio & Curatorial Program New York. Zuletzt erhielt sie das Marianne-Defet Malerei-Stipendium in Kombination mit einer Ausstellung in der Kunsthalle Nürnberg.

In der Begründung für die Verleihung des August-Macke Preises 2022 schreibt die Jury auszugsweise: „Die Bilder von Toulu Hassani sind minutiös ausgearbeitete abstrakte Werke. Die Konzentration und Ruhe, die sie beim Zeichnen und Malen dieser Werke aufbringt, vermitteln sich dem Betrachter, der angeregt wird, sich meditativ in die Oberflächen und Strukturen der Werke hineinzusehen. Toulu Hassani bereitet oft zunächst ein Raster vor, welches sie dann malend ausarbeitet. Dabei variiert sie die Formen und Bewegungen im Laufe der Arbeit, so dass das Ergebnis sich erst im Prozess herausbildet. Sie experimentiert auch mit Materialien, so z.B. Gips, Holz oder Stoff, so dass nicht nur die Oberfläche von Papier oder Leinwand gestaltet wird, sondern mitunter ein Bildobjekt entsteht, das von allen Seiten bearbeitet ist. Toulu Hassanis intensive Arbeiten demonstrieren die Kraft des individuellen Kunstwerks, mithin das, worum es auch August Macke wesentlich in seiner Kunst ging.“

Der August-Macke-Preis wird unterstützt von der Brauerei C. & A. Veltins, den Sparkassen im Hochsauerlandkreis, von der Annegret und Hans-Richard Meininghaus-Stiftung, dem Hochsauerlandkreis sowie vom August-Macke-Kuratorium.

Die Preisverleihung und Ausstellungseröffnung werden am 30. November 2023 im Sauerland-Museum Arnsberg stattfinden.

Michael Sailstorfer erhält den August-Macke-Preis des Hochsauerlandkreises 2017. Den Namen des Preisträgers gab Susanne Veltins, Inhaberin der Brauerei C. & A. Veltins, während eines Pressegespräches am Donnerstag, 30. März, bekannt. Der Macke-Preis ist mit 20.000 Euro dotiert und wird alle drei Jahre verliehen.

Der aktuelle Preisträger Michael Sailstorfer wurde in Velden, Oberbayern geboren, lebt und arbeitet heute in Berlin. Von 1999 bis 2005 studierte Sailstorfer an der Akademie der Bildenden Künste in München bei Olaf Metzel und erwarb 2004 am Goldsmiths College in London seinen Master in Fine Arts. Nach seiner Ausbildung nahm er als Stipendiat an mehreren Aufenthalten in Künstlerresidenzen teil, darunter drei Monate in der Villa Aurora in Los Angeles im Jahr 2005. Von 2010 bis 2011 lehrte er als Gastprofessor an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig.

Landrat Dr. Karl Schneider freute sich über die Entscheidung für Sailstorfer: „Es handelt sich um einen hervorragenden Bildhauer, der derzeit wohl zu den überraschendsten und einfallsreichsten Vertretern seiner Künstler-Generation zählt. Seit der Neuausrichtung des Preises vor knapp einem Jahrzehnt wurde nun erstmals ein Mann ausgezeichnet “.

In der Begründung für die Verleihung des August-Macke Preises 2017 heißt es: Michael Sailstorfer hat sich bereits als junger Künstler in der Bildhauerei der Gegenwart eine eigene Position erarbeitet, indem er Dinge und Materialien des Alltags in eine neue Beziehung setzt und ihre Funktion verfremdet oder neue Nutzungen kreiert. Mit dieser Strategie des sinnfälligen Wechselns zwischen Realitätsebenen versteht er sich einerseits in der Nachfolge von Marcel Duchamp und Joseph Beuys und distanziert sich andererseits von deren Sendungsbewusstsein durch einen programmatischen Pragmatismus und Spielfreude. Durch die skurrile, ironische und auch witzige Wahrnehmungssituation, die seine Inszenierungen und Objekte – z.B. rotierende Autoreifen, wandernde Bäume, Betonmischmaschine als Popcorn-Apparat, Autos mit ofenartigen Verbrennungsmotoren – in Ausstellungsräumen begründen, ruft er beim Publikum Erstaunen, Faszination oder einfach ein Lachen hervor. Dabei beeindrucken nicht nur Bewegung, technische Tüftelei und Absurdität, sondern auch das sinnliche Wahrnehmen und Erfahren von Geräuschen, Gefühlen und Geruch sind grundlegend mit seinen belebenden Installationen verbunden. Die Jury unter dem Vorsitz von Prof. Dr. Carl Peter Buschkühle war sich über die künstlerischen Arbeiten von Michael Sailstorfer einig: „Seine Objekte und Installationen verorten sich selbstverständlich und ohne Attitüde im gesellschaftlichen Diskurs der Erlebniskultur und erweitern in ihrer Manier des Upcycling.“

Der August-Macke-Preis wird unterstützt von der Brauerei C. & A. Veltins, den Sparkassen im Hochsauerlandkreis, von der Annegret und Hans-Richard Meininghaus-Stiftung, dem Hochsauerlankreis, der Kulturstiftung der Westfälischen Provinzial Versicherung sowie vom August-Macke-Kuratorium.

Die Preisverleihung mit Ausstellungseröffnung fand im Herbst 2017 statt.

August Macke wurde am 3. Januar 1887 in Meschede/Hochsauerlandkreis geboren und gehörte zu den bekanntesten deutschen Malern des Expressionismus. Er nahm an beiden Ausstellungen des Blauen Reiters 1911 und 1912 teil.

"Wir zeichnen diejenigen aus, die die Zukunft in sich tragen“.

Mit diesen Worten beschrieb 2005 der Gründungsdirektor des Museums für moderne Kunst (MMK) in Frankfurt am Main und mehrmaliges Mitglied der Jury des August-Macke-Preises, Jean Christophe Ammann, die Ausrichtung des Preises, der nach dem in jungen Jahren verstorbenen Künstler benannt ist.

Obgleich er nur 27 Jahre alt geworden ist , als er in den ersten Kriegswochen des 1. Weltkriegs fiel, gehört sein Werk zu den Klassikern der modernen Kunst. Im Gedenken an August Macke wird der Preis alle drei Jahre an herausragende jüngere Künstler vergeben. Seit 2008 wird er vom Hochsauerlandkreis ausgelobt, davor vergab ihn die Stadt Meschede als die Geburtsstadt Mackes.

Die Preisträgerin 2014 ist die in New York und Berlin lebende Künstlerin Kerstin Brätsch. Am Samstag, den 21. Juni, wurde ihr der mit 20.000 € dotierte Kulturpreis feierlich in Meschede überreicht. Kerstin Brätsch erweitert, 100 Jahre nach Macke, die Grenzen der Malerei erneut und trägt insofern die Zukunft in sich. Sie schafft ihre Kunst inmitten der globalen Kultur, die wesentlich durch die elektronischen Medien bestimmt wird und in der der Markt auch die Kunst verändert hat. So arbeitet sie experimentell mit neuen Werkstoffen für die Malerei, nutzt z.B. transparente Folien als Bildträger anstelle der traditionellen Leinwand. Auch die Präsentation ihrer Bildwerke geschieht auf neuen Wegen: mitunter hängen die bemalten und bedruckten Kunststoffbahnen mitten im Raum oder werden zum Teil einer Installation, die Plastik und Malerei verbindet. Die Motive wirken oft abstrakt und zeigen Variationen von Strukturen und Mustern, die ebenso aus der Natur gewonnen werden können wie aus Graphikprogrammen am Computer. Kerstin Brätschs Arbeiten zeigen eindrucksvoll, wie auch unter den starken Einflüssen der massenhaften Verbreitung der elektronischen Bildmedien sowie des expandierenden Kunstmarktes eine originale künstlerische Position erarbeitet werden kann, die von der Konsequenz der Künstlerpersönlichkeit getragen ist.

Leiko Ikemura wurde 1951 in Tsu in der japanischen Präfektur Mie, etwa 100 Kilometer östlich von Osaka geboren. Mit 21 Jahren verließ sie Japan, um ein Spanischstudium in Salamanca und Granada fortzusetzen. Gleichzeitig begann Ikemura in einem Bildhaueratelier plastisch zu arbeiten. Von 1973 bis 1978 studierte sie Malerei an der Akademie in Sevilla. In rund 100 Einzel- und fast 140 Gruppenausstellungen seit 1979 hat sie weltweit mit Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen große Anerkennung gefunden. 1987 entdeckte sie die Skulptur als ihr zentrales Medium. Seither entstehen - zumeist weibliche - Figuren. Sie wirken, mädchenhaft und anmutig, als ob sie in der äußeren Bewegung innehaltend der inneren Emotion, dem Schmerz, der Freude oder einem Traumbild nachlauschten. Spielerisch schwankt die skulpturale Form zwischen Figur und Gefäß, zwischen menschlicher, tierischer und pflanzlicher Natur, und unterläuft oder überlistet damit die gewohnheitsmäßig zupackenden alltagspraktischen Ordnungs-kategorien des Intellekts. So entsteht ein eigenständiger Bilderkosmos, der von Wesen bevölkert ist, die verschiedene Facetten der Natur in sich vereinen und als flüchtig und wandelbar erscheinen, da die festen Grenzen verfließen. Sie machen sowohl die Angst vor dem Verlust kultureller Identität als auch das Wissen um eine tiefere Einheit menschlicher Natur anschaulich, vermitteln zwischen den kulturellen Welten Europas und Japans. Der international anerkannten Künstlerin widmete die Kölner Kunstmesse 2002 eine Einzelpräsentation im Rahmen der Sonderschau „Skulptur". Leiko Ikemura, vielfach geehrt und ausgezeichnet, lebt seit 1983 in Deutschland. 1991 wurde sie als Professorin für Malerei an die damalige Hochschule der Künste, heute Universität der Künste, in Berlin berufen. Sie lebt heute in Berlin und Köln.

Links: www.kolumba.de
Menü: Archiv 10/05 Leiko Ikemura

www.de.wikipedia.org/wiki/Leiko_Ikemura.html

Matthias Weischer wurde 1973 in Elte/Westfalen geboren. Er schloss das Studium der Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig 2001 mit Diplom ab und war bis 2003 Meisterschüler bei Sighard Gille. Seit 2001 präsentiert Weischer seine Werke auf zahlreichen Ausstellungen, u.a. in London (2003), Miami (2004), Chungnam, Prag und Venedig (2005).

Als Preisträger der „Rolex Mentor und Meisterschüler Initiative“, die außergewöhnlich begabte, junge Künstlern an die bedeutendsten Meister ihres Fachs vermittelt, konnte er 2004 mit David Hockney arbeiten. Interieurs – menschenleer und nur mit wenigen Möbeln und Gegenständen bestückt, großformatig in Öl auf Leinwand gearbeitet – sind Weischers Markenzeichen. Das spärliche Inventar der teils düsteren Räume wirkt gleichzeitig vertraut und befremdlich, banal und symbolbelastet. Seine „Innenansichten“ weisen auf etwas hin, das sich ereignet hat oder noch geschehen wird. Aber Zeit, Raum, Licht gefrieren zur unbeweglichen Materialität der Farbe, die allerdings jeden Augenblick zu bersten droht und sich im vielschichtigen, pastosen Auftrag über die Fläche erhebt. Diese Gesten purer, abstrakter Malerei scheinen der Gegenständlichkeit der Darstellung buchstäblich den „Raum“ streitig machen zu wollen. 2007 war Weischer Stipendiat der Villa Massimo. Während und nach seinem Romaufenthalt arbeitet er an „Außenansichten“: hellfarbige Park- und Gartenstudien auf Papier, die er zu Großformaten montiert. Der Künstler, der neben Neo Rauch als bedeutendster Vertreter der Neuen Leipziger Schule gilt, lebt und arbeitet in Leipzig.

www.eigen-art.com/Küenstlerseiten/Matthias_Weischer/index_MW_DE.html

www.zeit.de/2008/15/Atelier-15

Ansgar Nierhoff wurde 1941 in Meschede geboren und wuchs auf in Siedlinghausen. Nach einer Berufsausbildung zum Maurer machte er 1964 in Frankenberg das Abitur und studierte an der Kunstakademie Düsseldorf. 1977 nahm er an der documenta 6 teil. Schon in den 1970er Jahren hatte er sich auf den Werkstoff Eisen festgelegt und damit auch auf dessen spezifische technische Möglichkeiten. Ausgehend von Vorzeichnungen geometrischer Grundformen werden die wuchtigen Plastiken zu Konzentraten, die ihre jeweilige Umgebung, sei es Natur- oder Stadtraum, reflektieren und verdichten. Im Jahre 1983 arbeitete er zeitweise in New York im Atelier George Rickeys, der zu den Wegbereitern der modernen amerikanischen Bildhauerei zählt. Ansgar Nierhoff gehörte zu den wichtigsten deutschen Stahlbildhauern, seine Werke wurden mit zahlreichen Ehrungen und Preisen bedacht und sind im öffentlichen Raum vielfach präsent. Sein Schaffen charakterisierte er so: „Kunst ist weiblich und sinnlich, nicht anmaßend, eher bescheiden, aber Maß-setzend. Die Skulptur und ihre Abmessungen sind körperbezogen oder maßvertraut i.S. von Reichhöhe, Umfassungsmöglichkeit, Begehbarkeit, Überschaubarkeit“. 1986 war Ansgar Nierhoff Gastprofessor an der Gesamthochschule Kassel. Von 1988 bis zu seinem Tod im August 2010 hatte der zuletzt in seiner Wahlheimat Köln lebende Künstler eine Professur für Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in Mainz.

www.de.wikipedia.org/wiki/Ansgar_Nierhoff

www.waldskulpturenweg.de/?id=27

www.skulpturenparkkoeln.de/html/ksp4_nierhoff.htm

Ausstellungen

Heribert Friedland, geboren 1927 als Heribert Glatzel in Friedland (Schlesien), kam als Schüler in den Kriegseinsatz, schloss dann eine Ausbildung zum Religionslehrer ab und war im Schuldienst tätig. Seit 1957 ist er freischaffend, studierte Malerei sowie Kunstgeschichte, Philosophie und Neutestamentliche Wissenschaften in Stuttgart. Er entwarf Kunst am Bau, Fenster für Kirchen, Keramikwände für Großbauten, Beton-Reliefs für Schulen. Im Kontrast zu diesen großflächigen Arbeiten stehen die postkartengroßen Formate seiner Aquarelle, die er vielfach in Einzelausstellungen (New York, Leningrad, London) präsentiert hat. Mit ihrem  von langen Trocknungsphasen unterbrochenem Enstehungsprozess konterkariert Friedland das „Image“ dieser oft schnell und flüchtig gefertigten Bildgattung. Flüchtige Skizzen bilden für Friedlands Arbeiten allenfalls Ausgangspunkte. Seine buchstäblich vielschichtigen Aquarellarbeiten, zeigen – an der Grenzen zum Abstrakten - Früchte und Blumen, zumeist aber Landschaften. Die Ansicht ordnet sich ohne jeden Vordergrund, ohne dingliche Vereinzelung, ohne Umrisszeichnung der Gegenstände zum Bild. Farbspuren kreuzen einander, Tonstufen und Farbgesten leiten den Blick und geben eine Tiefe frei, in der alles verwandlungsfähig wird, vieldeutig auch im Spiel von Hell und Dunkel: daraus entsteht Form und teilt sich dem Ganzen mit. Das Bild ist nach Friedlands Anspruch mehr als bloße Information, es ist eine deutende, im Prozeß von Vorstellung sich entwickelnde Verständigung. Der Künstler, der u.a. auch 1987 den Lovis-Corinth-Preis erhielt, lebt und arbeitet in Aichwald-Aichelberg und Esslingen.

Fujio Akai, geboren 1945 in Pandang auf Sumatra als Sohn einer indonesischen Mutter und eines japanischen Vaters, wuchs in Japan auf. 1964 kam er zum Studium an die Düsseldorfer Kunstakademie. Immer konsequenter konzentrierte er seine Arbeit auf die Vermittlung zwischen ostasiatischer und europäischer Kultur. Beim Betrachten der lebhaften, rhythmischen Farbkompositionen glaubt man je nach Stimmung, Räume und Perspektiven zu erkennen. Dabei kollidiert auf reizvolle Weise unsere europäische, nach räumlichen Orientierungspunkten suchende Sehgewohneit mit dem japanisch-asiatischen Welt– und Bildverständnis, das den Kosmos als beständigen Fluss begreift und die starre, gegenständliche Welt eine bloße Illusion. Fujio Akais Bildsprache hat zudem die Lehren der ostasiatischen Kalligraphie von der engen Verschränkung der Schrift mit der Malerei verinnerlicht. Sein Werk hat im Spannungsfeld zwischen östlicher und westlicher Lebensauffassung innerhalb der europäischen Kunstszene der beiden letzten Jahrzehnte eine eigene, unverwechselbare Qualität ausgebildet. Fujio Akai übernahm mehrere Lehraufträge u.a. in Barcelona. 1995 eröffnete er als Mitgründer das Museum Doko in Köln. Er lebt und arbeitet in Köln und Brüssel.

www.adamgallery.com/Fujio-Akai/akaith.htm

www.museumdoko.de

Bernd Bohmeier
Bernd Bohmeier geboren 1943 in Bad Oeynhausen, studierte Theaterwissenschaften und Philosophie in Mainz und Köln. Seit 1966 veröffentlicht Bohmeier literarische Arbeiten, seit 1969 stellt er eigene Gemälde aus. Er unternahm ausgedehnte Reisen nach Afrika, USA, Australien und Ozeanien. Von 1968 bis 1998 wirkte er als freier Lektor für die Abteilung Fernsehspiel des WDR. Arbeitsstipendien der Kulturministerien der Länder Rheinlandpfalz und Nordrhein-Westfalen erhielt er 1991 und 1995. Bernd Bohmeier ist Mitgleid im Verband Deutscher Schriftsteller. Seine Bilder, vorzugsweise in Öl und Öl-Pastell, setzen sich - oft unter harmlosen Titeln – mit dem menschlichen Körper in Extremsituationen, in Momenten von Gewalt, im Zustand der Versehrtheit auseinander. Sie befragen den Realitätsanspruch des Bild-Mediums, die Erwartungshaltung der Rezipienten und spielen mit den Mehrdeutigkeiten des Blicks: der Abwehr, der Angst oder auch der Lust des Erschreckens. Handelt es sich hier um reine Fiktion des Malers, oder um eine letztlich alltägliche Dimension menschlicher Existenz? Bernd Bohmeier lebt heute in Köln und in einem Dorf in der Vulkan-Eifel.

www.de.wikipedia.org/wiki/Bernd_Bohmeier

Theo Lambertin
wurde 1949 in Köln geboren. Nach Lehre und Arbeit als Farb-Lithograph, begann er 1971 ein Studium an der Fachhochschule für Kunst und Design in Köln. Er erhielt zahlreiche Förder- Arbeitsstipendien unterschiedlicher Träger. Bereits in den 70er Jahren zählt er zur legendären Kölner Künstlerszene mit Namen wie Rückriem, Paeffgen, Klauke und Bonvie. Nach längeren Auslandsaufenthalten, u.a. auf Martinique und in New York arbeitete er zwei Jahre als Gastdozent an der Akademie Münster. Seit 2001 ist er Artist in Residence und Dozent für „fundamentale ästhetische Kompetenz“ an der Universität Erfurt. In zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland waren seine Arbeiten präsent. Lambertin versteht sein Schaffen als Dokumentation der Beziehungen des Künstlers zu einem Thema, dessen Auslotung, Überprüfung, Transformation und Verdichtung ein prinzipiell offener Prozess ist. Seine Gemälde haben oft eine fotografische Grundlage. Auf Leinwand wird ein Negativ belichtet und übermalt. Indem das bemalte Foto wieder abgelichtet und eventuell wieder zur Grundlage von Malerei wird, entsteht ein Bild mit verschiedenen Zeitebnen, die zugleich sichtbar sind, „Zeit-Collagen“, die durch die fotografische Dokumentation eine quasi objektive Dimension besitzen und eine Vielschichtigkeit der Realität aufscheinen lassen. Theo Lambertin lebt und arbeitet in Leipzig, Köln und Texas.

www.hbt-art.com/cms/theo-lambertin

www.artnet.de
Menü: Artist – Theo Lambertin

Ruth Hoffmann

geboren in Darmstadt, lässt in großformatigen Mosaik-Reliefs und Materialbildern ihre Auseinandersetzung und Verbundenheit mit dem „Grund und Boden“ der Landschaft erkennen. Durch die Verarbeitung von Steinen, Sand, Erden und Naturmaterialien, in Stein-Mosaiken, Sandbildern und in Aquarellen mit Mineral-Pigmenten wird ihr Schaffen, das durch eine konkrete, regionale Landschaftsarchitektur inspiriert ist, zur Fortführung der Geologie in künstlerisch abstrahierter Form. Auch Fundstücke, oft Fragmente von Gebrauchsgegenständen werden integriert. Der Reiz eines Materials, das unbeachtet am Wegrand liegt, und die Montage dieser Spuren zur „Landschaft des Bildes“ ist zentrales Element dieser Arbeiten. Schieferplatten werden zu Hügeln, ein alter Weinleseeimer zum Bergrücken, Hasendraht und rostige Nägel zu Weinbergen. Farben der Natur, Blau, Braun, Grün und Grau prägen die Stimmungen, warme Erdtöne dominieren. Das Auge zu sensibilisieren für den "Zauber im Alltäglichen" und den regional spezifischen Charakter der Kulturlandschaften, ist Wunsch und Absicht der Künstlerin. Ruth Hoffmann lebt und arbeitet in Siefersheim, südwestlich von Mainz.

www.main-rheiner.de
Menü: Archiv, 15.11.05, Ausstellung im Kulturhof Eckelsheim

Claus Harnischmacher

geboren 1939 in Drolshagen, ist freischaffender Maler, Graphiker und Lyriker. Nach einer Ausbildung zum Steinmetz und Bildhauer im Kloster Maria Laach und dem Studium an den Kölner Werkkunstschulen war er zeitweise als Werbegraphiker tätig. Er ist Mitglied des Künstlerbundes Südsauerland. Seine vielschichtigen Arbeiten, die er in den Medien Fotografie, Graphik, Comic, Malerei, Materialcollage, und Objektkunst ausführt, verweisen auf einen präzisen, unbestechlichen Blick für Prozesse der Natur und die Kreisläufe von Entstehung und Vergänglichkeit. Sie schöpfen aus einem reichen Fundus an historischem, naturwissenschaftlichem und kunstgeschichtlichtlichem Wissen, das er mit den Phänomenen der modernen Technologien kontrastiert, neu befragt und ordnet. So entstehen als Ergebnis surreale, oftmals geradezu apokalyptische Bildgeschichten, in deren Zentrum zumeist der Mensch als Individuum steht. Erläuternde Titel oder ein lyrischer Text des Künstlers öffnen den Zugang und machen Verschlüsselungen transparent. Claus Harnischmacher lebt in Siegen /Drolshagen.

www.ihk-siegen.de
Menü:Presse, Archiv, Stichwort Harnischmacher: zur Ausstellung im Februar 08

siehe auch: Claus Harnischmacher, Wortgewand, Gedichte und Bilder, Künstlerbuch im Karin-Fischer-Verlag, 1996

Christine Bandau-Meschede (verstorben 2017)

Christa Biederbick-Tewes geboren 1940 in Balve, studierte von 1958 bis 62 Grafik an den Werkkunstschulen in Dortmund und Münster sowie von 1964 bis 70 Malerei an der HfBK Berlin (West) als Meisterschülerin bei Prof. Bachmann. Sie ist seit 1969 als freie Bildhauerin tätig. Von 1978 bis 79 war sie als Villa- Massimo-Stipendiatin in Rom, es folgte eine Gastdozentur in Hamburg und eine Professur für Bildhauerei an der Universität Mainz von 1991-2001. Ihre Formensprache wendet sich von frühen abstrakten Entwürfen entschieden zum Gegenständlichen. Die oft lebensgroßen Menschengestalten arbeitet sie vorzugsweise aus den Materialien Polyester oder Holz, die sie übermalt und mit Alltagsgegenstände ausstattet. Die bildnerische Formulierung der Figur im Raum zielt bei allem Realismus niemals auf die illusorische Nachahmung einer äußeren Erscheinung. Vielmehr enthüllt sie gerade im nüchternen „Einfrieren“ der alltäglich-banalen Sekunde das Abgründige der menschlichen Existenz, die verborgenen, sozialen Machtgefälle noch in intimsten Beziehungen, die Gefährdung und Verletzlichkeit des Individuums zwischen den Rastern der Geschlechterollen. Christa Biederbick-Tewes ist Mitglied der freien Akademie der Künste Hamburg und des Deutschen Künstlerbundes. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

www.galerie-rose.de/Christa_Biederbick/Christa_Biederbick.html

www.justartgalerie.de/Biederbick.htm

Carl Josef Hoffmann
wurde 1925 in Attendorn geboren. Nach dem Studium an den Kölner Werkschulen, erwarb er sich durch die Teilnahme an vielen Einzel- und Gruppenausstellungen schnell Bekanntheit im In- und Ausland. Als Bildhauer arbeitet er in Bronze, Wachs, Holz und Stein. Klare Formen und glatte Flächen sind bevorzugte Elemente seines Schaffens, das sich vor allem Motiven der belebten Natur widmet: treffend und elegant stilisierte Tierkörper im Bronzeguss, aber auch in Reliefs und Flachformen aus Holz oder Blei. Der Künstler, der 1992 den Kulturpreis des Kreises Olpe erhielt, ist 2017 verstorben.

www.dos-kunstundnatur.de/kuenstler/19/ - 14k

Gebhard Schwermer
geboren in 1930 Arnsberg ,verstorben in 2007 Konstanz, studierte Malerei an der Kunst-Akademie Düsseldorf bei Otto Pankok und anschließend Geschichte an der Universität Münster. Von 1957 – 1992 unterrichtete er Kunst und Geschichte an Gymnasien in Düsseldorf und Hilden, blieb jedoch stets weiter in Kontakt zu seiner Heimatstadt. Neben seiner Lehrtätigkeit setzte er intensiv die eigene künstlerische Arbeit und Entwicklung fort. Es entstehen Ölgemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Radierungen. Mit zahlreichen Einzelausstellungen ist er – zumeist im Rheinland - vertreten gewesen und hat ein an Umfang und Qualität außergewöhnliches Werk hinterlassen. Vor allem Architektur und Landschaft geben die Themen für seine früh gefundene Bildsprache: kein geschöntes Idyll, sondern die spröden Ausdrucksformen des Alltäglichen. Diese „Zeichen der Zeit“, anschauliche Zeugen für den Fortgang von Geschichte, die sich in Spuren der Abnutzung, der Zerstörung und des Verfalls offenbaren, zeigt er schonungslos in fast fotorealistischer Schärfe und legt doch eine zarte, melancholische Schönheit frei. Schwermer dürfte zu den bemerkenswertesten Malern der Neueren Moderne mit Herkunft aus dem Sauerland zählen. Eine umfangreich Retrospektive seines Werkes war mit großer Resonanz von Juni bis Oktober 2008 im Schloss Cappenberg bei Unna zu sehen.

www.de.wikipedia.org/wiki/Gebhard_Schwermer

www.kreis-unna.de